Universalität aus der genauen Beobachtung

Auch die 19. Dokumentarfilmwoche Hamburg zeichnet sich dadurch aus, nicht nur inhaltlich, sondern auch formal und ästhetisch etwas zu wagen

Von Eckhard Haschen

Seit bald 20 Jahren gibt die Doku­men­tar­film­woche Hamburg dem künst­le­risch anspruchs­vollen Doku­men­tar­film ein Forum, das dieser in der nord­deut­schen Kino- und Festi­valland­schaft sonst nicht hat, zumindest nicht in dieser Kompakt­heit. Von Anfang an haben es die Veran­stalter – ein zurzeit zwölf­köp­figes Kollektiv – verstanden, Filme zu program­mieren, die nicht nur inhalt­lich, sondern auch formal und ästhe­tisch etwas wagen. Ich jeden­falls kann mich an kaum eine Vorstel­lung erinnern, wo ich mich nicht ernsthaft gefragt habe, wie denn ausge­rechnet dieser Film seinen Weg ins Programm gefunden hat.

Damit ein Schub­la­den­denken sich nicht einschlei­chen kann, wurden vor einigen Jahren sogar die Sektionen abge­schafft, darunter der Wett­be­werb »direkt«, in dem von 2009 bis 2016 der Klaus-Wilden­hahn-Preis verliehen wurde. Was es aber weiterhin gibt, ist die Retro­spek­tive, die unter anderem schon Marcel Ophüls, Chantal Akerman, Wang Bing oder Peter Nestler gewidmet war. Diesmal konnte endlich die schon für 2020 geplante Retro zu Trinh T. Minh-hà nach­ge­holt werden. Überhaupt war dies die erste fast ganz »normale« Ausgabe des Festivals, das 2020 pande­mie­be­dingt entfiel und dafür ein eintä­giges Fenster im Herbst beim Filmfest Hamburg bekam und 2021 aus den gleichen Gründen einmalig im September stattfand.

Ob Premieren oder Filme, die schon auf anderen Festivals liefen – Entde­ckungen gab es an den vier­ein­halb Tagen reichlich. So bietet etwa Marco Kugels Die Karte der Schönheit, der als Eröff­nungs­film lief, einen ebenso erhel­lenden wie viel­schich­tigen Einblick in das deutsche Planungs­wesen, geht er doch der Frage auf den Grund, wie die für den Netz­ausbau im Zuge der forcierten Ener­gie­wende zustän­digen Insti­tu­tionen die Schönheit der Land­schaft bewerten, aufgrund dessen dann Entschei­dungen treffen und diese schließ­lich den Menschen in den betrof­fenen Regionen zu vermit­teln versuchen. Mit einer ähnlichen Beharr­lich­keit spürt Serpil Turhan in Köy, der vorige Woche auch regulär im Kino gestartet ist, den Lebens­ge­schichten von drei in Berlin lebenden Kurdinnen nach. Eine von ihnen ist Turhans eigene Groß­mutter, die 1972 von ihrem Dorf nach Istanbul zog und später ihrem Mann nach Deutsch­land folgte.

Gleich mehrere Arbeiten waren als komplexe Gewebe aus unter­schied­lichsten Mate­ria­lien angelegt und legen so ihre Themen gleichsam Schicht für Schicht frei. So gibt Payal Kapadias A Night of Knowing Nothing ausgehend von studen­ti­schen Protesten aus dem Jahr 2010 eine Ahnung von den Repres­sionen durch das Klas­sen­system und der Diskri­mi­nie­rung reli­giöser Minder­heiten in Indien unter Präsident Modi. Und so spürt Manque La Banca in Esqui unter der schönen Ober­fläche von Bariloche, dem wich­tigsten Skigebiet Argen­ti­niens, die Geschichte von Gewalt und Vertrei­bung an der indigenen Bevöl­ke­rung auf.

Und dann gab es Filme, die ihre Univer­sa­lität gerade aus der genauen Beob­ach­tung und einer entspre­chenden Anteil­nahme eines sehr kleinen Ausschnitts aus der Welt gewannen. So zeichnet der in Öster­reich lebende Aleksey Lapin in Krai ein Bild vom Leben in einem kleinen Dorf in Russland nahe der ukrai­ni­schen Grenze, in das eines Sommers eine Filmcrew aus Wien kommt, unter dem Vorwand, dort einen »histo­ri­schen Film« drehen zu wollen. Und so lässt sich Stefan Pavlovic in Looking for Horses, der als Abschluss­film gezeigt wurde, ganz auf den Kriegs­ve­te­ranen Zdravkro, ein, den er zufällig bei der Suche nach dem Haus seiner Groß­mutter in Bosnien kennen­lernt und der buchs­täb­lich 20 Jahre lang in seinem kleinen Boot auf dem benach­barten See gelebt hat.

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